Crítica teatro: Criatura Emocional - Aquitània teatre

Criatura Emocional es una obra de Broadway escrita por la dramaturga, escritora y feminista Eve Ensler, basada en su libro Soy una criatura emocional (2010). La autora es mundialmente conocida por la obra teatral Los monólogos de la vagina. En esta ocasión, Alícia Serrat adapta y dirige la propuesta que actualmente se representa en el Teatre Aquitània bajo el título Criatura Emocional.

Sobre el escenario,  Paula Amell, Clàudia Codony, Núria Oliver, Marina Requero, Clara Subiràs y Laura Tanyà son las seis actrices que nos mostrarán los pensamientos, inseguridades y contradicciones a los que se enfrentan las chicas jóvenes en el mundo de hoy. Temas o situaciones que las preocupan, con los que tienen que lidiar y que están presentes en determinados momentos de sus vidas.  A través de múltiples relatos y situaciones, la obra aborda cuestiones que atraviesan la experiencia de muchas jóvenes: la identidad, el cuerpo, el amor, la presión social, o la construcción del propio lugar en el mundo.

La propuesta escénica se articula como un dinámico collage de escenas, casi un cóctel emocional servido por etapas, donde texto, movimiento y música se integran con fluidez. Desde el primer minuto se percibe el minucioso trabajo de interpretación y puesta en escena: la coordinación física, el ritmo dramático y la energía colectiva generan una experiencia escénica vibrante que conecta con el público de forma inmediata.

El arranque es particularmente contundente. La obra comienza con una rápida y provocadora batería de “¿tú qué preferirías?” que interpela al espectador.  Lo espléndido es que este buen ritmo, marca el tono de una función que se mantiene sostenido y dinámico a lo largo de toda la representación.

Las historias que se despliegan son diversas y de muy distinta intensidad emocional: desde la chica que utiliza el humor como escudo a su físico, hasta la joven explotada laboralmente en el extranjero. También se abordan cuestiones como el embarazo no deseado, el uso del preservativo, la violencia contra las mujeres, la relación con el propio cuerpo, las creencias religiosas o las enfermedades de transmisión sexual.

Son historias que ellas nos cuentan de forma fluida: algunas nos emocionarán, otras nos harán reír y algunas son más duras, como la ablación del clítoris o el suicidio. Pero todas nos harán reflexionar sobre las diversas realidades que atraviesan las mujeres jóvenes. Criatura Emocional puede pasar desapercibida entre todos los estrenos teatrales, pero no deberías perdértela.

Uno de los grandes aciertos del montaje reside en la naturalidad con la que las seis intérpretes transitan este amplio abanico emocional. Su presencia escénica transmite autenticidad y frescura, cualidades que refuerzan la credibilidad del discurso. A ello se suma un destacado componente musical: las actrices cantan y bailan de maravilla e incluso tocan algún instrumento, enriqueciendo mucho la dramaturgia con un repertorio que abarca desde canciones españolas hasta temas internacionales, incluyendo una delicada pieza en francés.

El espacio escénico, por su parte, se resuelve con una escenografía sencilla pero funcional: varias mesas dispuestas a diferentes alturas que las actrices utilizan como plataformas para moverse, saltar o coreografiar distintas secuencias. ¡Esa envidiable energía física del elenco propias de la juventud!.

Puede que haya alguna escena, que recurra demasiado a arquetipos,  como el clásico contraste entre las chicas populares y las “frikis” en el instituto pero bueno, esto siempre ha existido. Doy fe. Sin embargo, hay otras escenas, como la pieza dedicada a la bulimia y las redes sociales, muy original, en la que están todas perfectamente sincronizadas, funcionando visualmente de maravilla y sorprendiendo al espectador.

Criatura Emocional es una obra que combina teatro, música, discurso social y power girl con una notable profesionalidad y vitalidad escénica. Un montaje con ritmo que reivindica el empoderamiento femenino a través de múltiples voces y experiencias, y que interpela al público desde la emoción y la reflexión.
Quizá el único inconveniente sea la brevedad de su paso por el Teatre Aquitània. ¡Corre a por tu entrada!

CRIATURA EMOCIONAL Teatro Aquitània
Desde 18 euros - Hasta jueves 19 de marzo 2026
Consultar horario
Interpretes: Paula Amell, Clàudia Codony, Núria Oliver, Marina Requero, Clara Subiràs, Laura Tanyà
Dirección: Alícia Serrat
Autoría: Eve Ensler
Adaptación: Alícia Serrat
Dirección musical:  Ferran González
Regiduría:  Gema Navarro
Escenografía: Sergi Corbera
Iluminación: Toti Ventosa
Sonido: Joanet Gil
Coreografía: Pol Roselló
Fotografía: Daniel Escalé
Producción: Anexa

Reseña cómic: La bestia del Norte / La ciudad de las mentiras por Oscar Martín y Leonel Castellani

Durante décadas, los personajes de cómic han sido propiedad de editoriales y empresas más que de sus propios creadores. Un autor puede dar vida a un personaje que se vuelva enormemente popular, pero la historia suele repetirse: cuando el éxito llega, los derechos pasan a manos de compañías que gestionan y explotan esa propiedad intelectual.

Según la legislación estadounidense, la duración del copyright varía según el tipo de obra. Cuando se trata de un autor individual, los derechos suelen prolongarse hasta 70 años después de su muerte. En cambio, cuando la obra pertenece a una empresa, la protección puede extenderse hasta los 95 años desde su publicación.

Robert E. Howard creó a Conan en 1932 y falleció en 1936. Debido a ello, algunas de sus historias originales se encuentran hoy en una situación legal compleja: ciertos textos están ya en dominio público o muy cerca de estarlo, lo que permite reeditar los relatos originales o incluso crear nuevas historias inspiradas en ellos.

Sin embargo, el nombre Conan sigue protegido como marca comercial por la empresa que gestiona los derechos del personaje. Esto significa que, aunque se puedan publicar historias basadas en el cimerio, utilizar el nombre Conan en portadas, títulos o campañas publicitarias puede requerir una licencia. Por ese motivo, en algunos cómics recientes el personaje aparece claramente representado, pero su nombre e incluso cara, no figura de forma explícita en la portada.

Este pequeño apunte sirve para explicar por qué en el cómic La Bestia del Norte: la ciudad de las mentiras, con guion de Óscar Martín y dibujos de Leonel Castellani, siendo un genuino y puro cómic de Conan, en su portada y contraportada no aparece ninguna mención directa al bárbaro. Puede resultar un primer escollo para quienes desconocen esta circunstancia, pero se disipa en cuanto abres el cómic: el mundo salvaje, brutal e indómito del cimerio te golpea de lleno desde las primeras páginas.

Porque eso es precisamente lo que encontramos en La Bestia del Norte: una aventura que recupera la esencia más clásica del personaje. Espadas manchadas de sangre, ciudades decadentes, monstruos imposibles, traiciones y tabernas llenas de humo. Todos los ingredientes que hicieron grande al bárbaro están presentes.

Esta nueva historia de Conan se financió originalmente a través de Verkami.

 Después de los recordados cómics de Conan con guiones de Roy Thomas y dibujos de John Buscema, hubo muchas otras historias con el personaje. Cuando Marvel no renovó los derechos, se abrieron nuevos rumbos para el cimerio. Y ahora, en este 2026, tenemos La Bestia del Norte, un retorno a los orígenes del personaje que tanto nos hizo disfrutar a muchos lectores: una especie de remasterización visual del mito con todos los ingredientes de una historia clásica de Conan.

En esta ocasión, Conan es contratado para rescatar a la hija del patriarca de uno de los clanes de ladrones más peligrosos de la ciudad Hud-Hund Engaund.

Óscar Martín construye una historia clásica del bárbaro: misión, aventura, acción desenfrenada, mujeres, monstruos, giros argumentales y, lógicamente, tabernas, captando perfectamente la esencia del personaje. De hecho, Martín ya lo deja claro en su emotivo prólogo.

El dibujo de Leonel Castellani nos conquista desde las primeras páginas con un estilo brutal que eleva la obra a una auténtica superproducción por su calidad artística; en otras palabras, un dibujo poderoso aderezado con espectaculares splash pages. Disfrutaréis con su arte, que convierte la lectura en algo cercano a ver una película de animación de alto presupuesto. Escenas sosegadas y otras de alto voltaje, muy dinámicas, que se combinan a la perfección.

 

Leonel Castellani nació en Buenos Aires. Es dibujante de cómics, animador, pintor y escultor. Estudió Artes Plásticas en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Ha dibujado un sinfín de personajes para Warner, Hanna-Barbera, Disney y Marvel. Aquí lo conocimos enfrentándose al reto del Supergrupo de Jan y Francisco Pérez Navarro, un clásico del cómic español,  y también en Solo, junto a Óscar Martín.

En La Bestia del Norte se nota que el autor ha disfrutado, y él mismo afirmaba que le apetecía hacer un Conan clásico y brutal, no un Conan introspectivo que fuese meditando por ahí sobre la vida y la muerte. Un año de trabajo ha dado como resultado este cómic.

Algunos lectores han mencionado que la única pega es que el cómic se lee rápido, pero no creo que sea cierto. Hay pasajes que recuerdan al estilo de Roy Thomas, con recuadros de texto muy característicos. La historia está bien estructurada y la lectura fluye con naturalidad, sin olvidar los espectaculares dibujos, que presentan una narrativa muy comprensible. Se nota el enorme trabajo del dibujante con solo fijarse en todo lo que rodea al protagonista.

 

En definitiva, una historia entretenida que atrapa y de la que esperamos que tenga el suficiente éxito, porque, aunque es auto conclusiva, la idea es que forme parte de una trilogía. La Bestia del Norte es un buen cómic de acción y aventura,  y aunque el nombre de Conan no aparezca en la portada, en el interior espíritu del cimerio sigue cabalgando con la misma fuerza de antaño. Y si os encontráis con Castellani en algún evento, preguntadle cuándo realizará un Conan más filosófico… nada le haría más ilusión...

LA BESTIA DEL NORTE: LA CIUDAD DE LAS MENTIRAS
OSCAR MARTIN - LEONEL CASTELLANI - ROBERT E. HOWARD
Ominiky Editorial
PVP: 29 € - 72 Páginas a color

Reseña: FSO - Film Symphony Orchestra - TOON STORY - Auditori de Barcelona

La FSO (Film Symphony Orchestra) lo volvió a lograr, ofreciéndonos un sensacional concierto con las mejores bandas sonoras de películas de animación de todos los tiempos… Bienvenidos a Toon Story.

La magia del cine de animación atrapa a niños y mayores y es una gran creadora de historias que perduran en nuestra memoria. Hay películas de dibujos de todos los géneros, y quien infravalora este medio de contar historias no sabe lo que se pierde. Uno de los elementos más potentes del cine de animación es la música que acompaña a las imágenes y que, en muchas ocasiones, se convierte en la verdadera protagonista, sobre todo en el universo Disney.

FSO: Toon Story son más de dos horas de concierto con bandas sonoras ya clásicas como Monstruos, S. A. de Randy Newman, Shrek de Harry Gregson-Williams y John Powell o Los Increíbles de Michael Giacchino, con esos apabullantes temas de jazz que fueron los encargados de abrir el concierto.

Escuchar un medley de Pesadilla antes de Navidad de Danny Elfman siempre es un gozo, y más si está acompañado por Toni Dublet dando voz a Jack Skellington. Pero también hubo espacio para otras partituras menos conocidas, aunque cargadas de épica y emoción, con tonos celtas en la primera: ahí estuvo Cómo entrenar a tu dragón de John Powell o Anastasia de David Newman.

Es posible que algunas piezas fueran menos conocidas para el público y no apelaran tanto al factor nostalgia, pero eso no importa, pues Constantino Martínez-Orts, su director, como es habitual, presenta y explica siempre las particularidades de la pieza que van a interpretar a continuación, haciendo que la apreciemos y la degustemos con mayor intensidad. En este concierto, en concreto, se empleó a fondo en esas perlas de sabiduría. Ahí estuvo para demostrarlo la excelente explicación previa a la complicada y alocada pieza de los cortometrajes de Tom y Jerry, compuesta por Scott Bradley.

Una buena parte del concierto estuvo dedicada al amplio legado Disney que ha conquistado a varias generaciones. Según Constantino, una de las más bellas bandas sonoras pertenece a Pocahontas de Alan Menken, con letras de Stephen Schwartz. Y, claro, escuchar un medley de esta banda sonora, incluyendo además “Colores en el viento”, con cantante* incluida, no tiene precio.

Si hubo una película que colocó en el mapa al estudio Pixar, esa fue Toy Story, que también estuvo presente con el famoso tema cantado “Hay un amigo en mí”, de Randy Newman. Hubo incluso espacio para disfrutar de la sublime partitura de la película de animación japonesa La princesa Mononoke de Joe Hisaishi. 

La verdad es que el tramo final estuvo dominado por auténticos temazos, en los que el propio director desmentía lo anteriormente afirmado, diciendo que ahora sí, que esta era la mejor banda sonora de todos los tiempos. ¿Cómo no decirlo si a continuación interpretaban varios temas de El rey león de Hans Zimmer? El concierto finalizó con el precioso broche de La bella y la bestia de Alan Menken y Howard Ashman, que incluyó el tema vocal principal a dúo. Tampoco se olvidaron de deleitarnos el tema cantado “Un mundo ideal”, de la película Aladdín.

En el bis del concierto, el público participó activamente poniendo título a la intro de Los Simpson de Danny Elfman

FSO: Toon Story. Un concierto, logísticamente, de lo más animado.

FSO: Toon Story - Auditori de Barcelona
De gira - Consultar lugares
Duración: 2 horas 30 minutos con entreacto
Entradas: Desde 32€ 

*No  hemos encontrado su nombre en página y sentimos no recordarlo.

Arte original: Basket Case, ¿Dónde te escondes, hermano? - Dibujo original cartel - Origin of Comics

Basket Case, ¿Dónde te escondes, hermano? (1982) es un film estadounidense de culto, escrito y dirigido por Frank Henenlotter, que mezcla terror y comedia de forma irreverente. Una película de culto del cine de bajo presupuesto que se ganó su fama gracias a sus dosis de gore.

Su éxito fue tal que dio lugar a dos secuelas, impulsado en gran parte por el auge del vídeo doméstico, que convirtió a Basket Case en un imprescindible de las estanterías ochenteras.

En España, su lanzamiento en vídeo vino acompañado de un nuevo cartel para la caratula, creado por el artista Rafael Cortiella. Para diferenciarse de sus trabajos para portadas de novelas, firmaba como Joan para sus creaciones de arte en las películas.  Ahora puedes conseguir esta obra original de gran tamaño en web Origin of Comics. Una autentica pieza única de coleccionista. ¡El dibujo original del cartel!

Además, durante el mes de febrero de 2026, la obra incluye la película en DVD, junto con el original y un descuento especial por tiempo limitado.

Si eres amante del arte de temática terror, puedes descubrir más portadas originales de Rafael Cortiella disponibles en Origin of Comics.

Basket Case es una retorcida reinterpretación del mito de Dr. Jekyll y Mr. Hyde, parodiada incluso en un episodio de Los Simpson. Duane Bradley llega a Nueva York con una misteriosa cesta en la que se oculta su deformado hermano siamés, Belial. Ambos fueron separados de pequeños y Belial fue abandonado en un cubo de basura cuando se le dio por muerto. Ahora, juntos, buscan a los doctores que le operaron…

Cartel dibujo original

 

Crítica teatro: Les Bàrbares - Teatre Borràs

Susi, Carmen y Encarna son tres amigas de la infancia que se reúnen en un hotel a las afueras de la ciudad para recordar a Bárbara, una amiga en común, mucho más joven, que murió hace seis meses. Bárbara pidió a una de ellas que se cumpliera una última voluntad, lo que despertará en las tres un conjunto de frustraciones, anhelos y contradicciones que pondrán a prueba su amistad, enfrentándolas por momentos.

Les Bàrbares es una obra redonda que aborda los sentimientos y los puntos de vista de tres mujeres con vidas muy diferentes sobre la amistad, el trabajo, el amor, la maternidad… Un batiburrillo muy bien mezclado y exquisitamente servido por tres actrices como la copa de un pino: María Pujalte, Cristina Plazas y Francesca Piñón.

Clavan sus perfiles, convirtiéndolas en mujeres reales, con su propia forma de pensar y actuar. A su manera, son mujeres empoderadas, con su particular visión de la vida y los anhelos que las invaden por momentos. María Pujalte, la más televisiva, con series a sus espaldas como 7 Vidas o Los misterios de Laura, tiene una vida acomodada en la que no le falta de nada tras haberse casado con un hombre triunfador, dejando de lado su propia carrera. Una persona pragmática, que Pujalte interpreta con gran naturalidad. Cristina Plazas da vida a una mujer que ha consagrado su vida a su estudio de arquitectura, pero que llega a un punto en el que se plantea si todo ese esfuerzo la hace realmente feliz. Francesca Piñón es, posiblemente, la mujer más común: trabajadora, ama de casa, ejerciendo de abuela casi por obligación y algo infravalorada por sus amigas.

Les Bàrbares va planteando situaciones a través de sus conversaciones con las que podemos identificarnos, seamos del género que seamos, y algunas, siendo mujer, mucho más. Juega muy bien con el bilingüismo, ya que el personaje de Pujalte es el de la amiga castellana, mientras que las otras dos son catalanas. También aborda el patriarcado y el feminismo desde distintos puntos de vista, de forma fluida y sin resultar cargante. Lo genial es que Les Bàrbares hace flotar el humor durante toda la obra, con que otro muy contundente y glorioso golpe cómico. Podría decirse que es una tragicomedia, ya que son muchas las temáticas que se tratan: algunas duras, como las caras ocultas que no mostramos o las decisiones que nos marcan, pero siempre acompañadas de ese pequeño giro humorístico.

En este único escenario, el hall de un gran hotel, estaremos acompañados también por la cantante y pianista del mismo, interpretada Berta Gratacós, que parece acariciar y arropar con sus canciones, tanto a las tres amigas, como a los propios espectadores.

Les Bàrbares es una muy buena obra de conversaciones pausadas sobre la vida misma, con toques de humor y un canto al valor de la amistad a cualquier edad y pese a las diferencias de cada persona. ¡No os la perdáis!

LES BÀRBARES - Teatre Borràs
Hasta el 8 de marzo de 2026
Horarios: Miércoles y jueves: 20:00 h  / Viernes: 19:00 / Sábado: 17:00 y 19:30 / Domingo: 17:00
Entradas a partir de 24€ 
Interpretes: María Pujalte, Francesca Piñón, Cristina Plazas
Cantante: Berta Gratacós
Dirección y traducción: David Selvas
Autoría: Lucía Carballal
Ayudantía de dirección: Alba Collado
Dirección técnica: Enric Alarcón
Regiduría: Olga Cámara
Escenografía: Marc Salicrú, Josep Iglesias y Carles Hernández
Iluminación: Jaume Ventura
Sonido: Efrén Bellostes
Espacio sonoro:  Berta Gratacós
Caracterización: Núria Llunell
Vestuario: Maria Armengol
Coreografía: Marta Bayarri
Diseño gráfico: Queralt Guinart
Fotografía: Marta Mas y Marc Mampel
Comunicación: La Brutal, Rubén García y Barc Coop
Producción: La Brutal y Bitò
Producción ejecutiva: Mireia Farrarons

Crítica teatro: Göteborg - La Villarroel

Göteborg es la segunda ciudad más grande de Suecia. La teoría sueca del amor dice que toda relación humana auténtica, libre de condicionamientos materiales y psicológicos, debe basarse en la independencia sustancial de las personas.

La obra Göteborg bien podría titularse una visita inesperada. Paula se presenta en casa de Sergi con el propósito de recordar por qué se torció su incipiente relación con él hace más de treinta años. Sergi está muy sorprendido; ha pasado casi una vida. Ambos tendrán esta noche por delante para reconstruir lo que pasó y, tal vez, cambiar el curso de la historia.

Si volviese tu antiguo amor de juventud, ¿Cómo reaccionarías? ¿Lo tenías completamente olvidado? ¿Volvería esa conexión que tenías con la otra persona? Göteborg profundiza en esta situación, en el amor y en cómo cada persona recuerda lo vivido de forma diferente y cómo eso a veces nos marca para seguir nuevos caminos. La obra lo hace de una manera reflexiva, delicada, bonita, sensible y mágica, con momentos de humor. Un cóctel perfecto.

 

Maria Molins está espléndida en el papel de mujer independiente y decidida que sabe que hace treinta años algo salió mal en su incipiente relación con un chico durante el viaje de fin de curso a Göteborg. Roger Coma plasma a la perfección a ese hombre reposado y reflexivo, reacio a dejarse llevar por las emociones, enfrentándose a una situación que le crea perplejidad y reabre una brecha emocional que tenía arrinconada y que le condiciono a como es hoy.

Berta Rabascall y Jan Mediavilla interpretan a los protagonistas con dieciocho años. Ambos resultan creíbles en sus respectivos roles: ella como una joven lanzada, espontánea y atrevida, y él como el chico súper tímido, con nulo éxito con las chicas. Pueden ser clichés, pero son reales, y los interpretan de una manera tan natural que generan empatía desde el primer minuto y un cierto halo de nostalgia por nuestros propios tiempos pasados. Muy acertadas las referencias a la cultura pop, para dar más peso a la idea de que estamos en otra década, la de los noventa.

La obra va confrontando el presente con la juventud del pasado y con lo ocurrido en aquel viaje de fin de curso a Göteborg de manera fluida, en un único escenario que representa el comedor de la casa de Sergi. Con la ayuda sutil de las luces, la música y algún que otro movimiento del atrezo, se nos traslada a ese tiempo pasado que evocan los protagonistas adultos y lo que es mejor, reconocemos a los jóvenes en los adultos gracias a la buena interpretación de los cuatro actores.

Göteborg nos habla del amor, de cómo, en los momentos vitales de cada uno, ciertas cosas pueden hacernos daño en la juventud, que al madurar y verlas en perspectiva, tal vez nos lleven a sentir en el presente que no supimos hacerlo bien o que estábamos equivocados por miedo u otras razones. Habla también de lo bonitos que son los inicios de las relaciones y de cómo un primer amor puede marcarnos y condicionarnos.

Tal como afirma Jordi Casanovas, director de la obra: ¿puedes decidir cuándo enamorarte y cuándo desenamorarte? ¿Se puede volver al pasado y retomar una relación que sientes que no debería haber acabado? También nos habla de los muros que nos construimos para no sufrir, o incluso de la fantasía de enfrentarte a tu propio yo. 

Göteborg es una reposada e íntima historia romántica que reflexiona sobre las relaciones amorosas de manera realista y, por momentos, casi mágica. ¡Muy recomendable!

Göteborg - La Villarroel 

Hasta 1 de febrero de 2026
Miércoles y jueves: 20:00h / Viernes y sábado : 17:30 y 20:00h Domingo: 17:30
Entradas a partir de 20€ 

Intérpretes: Maria Molins, Roger Coma, Berta Rabascall ,Jan Mediavilla
Dirección y autoría: Jordi Casanovas
Ayudantía de dirección: Blanca Caminal
Dirección técnica: Àngel Puertas
Regiduría: Montse Alacuart
Escenografía: Paula Bosch
Iluminación: Sylvia Kuchinow
Peluquería y maquillaje : Maru Errando
Vestuario: Bernat Grau
Diseño gráfico: Maria Picassó
Fotografía: David Ruano
Comunicación: La Tremenda
Producción: VELVET EVENTS S.L.
  

Reseña: Concierto homenaje Nino Rota y Ennio Morricone - Orquestra Simfònica del Vallès - Palau de la Música Catalana,

Una vez más, el pasado 9 de enero de 2025, en el Palau de la Música Catalana, la Orquestra Simfònica del Vallès, dirigida por Noemí Pasquina, volvió a realizar un vertiginoso viaje por las bandas sonoras más contundentes y deliciosas de dos grandes compositores de la música de cine: Nino Rota y Ennio Morricone.

La música más recordada de Nino Rota es, sin duda, la de la película El Padrino, y La Simfònica del Vallès nos ofreció un perfecto recorrido temático por esta famosa trilogía dirigida por Francis Ford Coppola. Muchas películas de Federico Fellini gozan de la música de Rota, por lo que en este homenaje pudimos disfrutar de La Strada, con sus contundentes trompetas y tonos circenses de festividad. Tampoco podía faltar Fellini 8½, en la que el compositor captaba con su música los estados de ánimo de su protagonista: inspiración, alegría, tristeza, preocupación…

Pero es cuando pasamos a la parte dedicada a Morricone cuando tenemos que abrocharnos los cinturones, porque escuchar los míticos temas de las películas del Oeste, acompañados de la amplia coral Cantiga cuando el tema así lo requiere, no tiene precio. Ahí tenemos los temas de El bueno, el feo y el malo dirigida por  Sergio Leone, que son pura vibración. El homenaje se vuelve aún más grande cuando, con la música de Hasta que llegó su hora, también de Sergio Leone, se unen la soprano Andrea Martí y Sergi Raya con la armónica. Solo con escuchar estas piezas ya te puedes ir satisfecho a casa.

Los temas del film La Misión, de Roland Joffé, lucen con la potencia de la coral y emocionan más que la propia película en sí. Y es que Morricone era un maestro creando atmósferas.

No podía faltar la música de la película Cinema Paradiso, dirigida por Giuseppe Tornatore, que es un canto de amor al cine y que, escucharla con esta orquesta, te acaricia el alma, si, claro está, te apasiona el cine. Y evidentemente este tema también abrió la velada musical.

El concierto cuenta con la voz y presencia de Salvador Vidal, actor de doblaje de muchos conocidos actores. Y, como este es un blog que ama la cultura pop, añadimos como curiosidad, que dirigió el doblaje de la famosa serie de dibujos animados Ulises 31, dando su voz también al mismísimo Ulises. En este homenaje a Morricone y Rota, su voz nos acompañó, meciéndonos entre pieza y pieza. Si en otros conciertos priman los datos curiosos sobre los temas a interpretar, la Orquestra Simfònica del Vallès se decanta más por narrar sensaciones y sentimientos que evocan las bandas sonoras y películas, y con la voz de Vidal es todo un lujo.

«El mundo se divide en dos categorías: los que tienen el revólver cargado y los que cavan. Tú cavas».
El bueno, el feo y el malo

Durante todo el concierto, en una pantalla gigante se pudieron ver fotogramas de las películas en cuestión, lo que lo hace más ameno al unir ambas cosas: musica y fotogramas. 

Si te gusta la música de estos dos compositores italianos, no puedes faltar a las próximas citas de estos conciertos redondos y de gran calidad de La Orquestra Simfònica del Vallès.

Homenaje a Ennio Morricone & Nino Rota / Orquestra Simfònica del Vallès.
9 de enero 2026 - Palau de la Música Catalana - Próximos conciertos

FICHA ARTÍSTICA
Andrea Martí - soprano
Sergi Raya - armónica
Salvador Vidal -narrador
Jordi Cos - idea y guión original
Iván Mardones - creación de imágenes
Alba Boix - iluminación
Coral Cantiga - (Montserrat Meneses, directora)
Orquestra Simfònica del Vallès
Noemí Pasquina - directora
 
PROGRAMA
Cinema Paradiso. Tema principal · Ennio Morricone 
La strada · Nino Rota 
La misión · Ennio Morricone
Ensayo de orquesta· Nino Rota 
El Padrino · Nino Rota  
La muerte tenía un precio · Ennio Morricone 
Hasta que llegó su hora· Ennio Morricone 
El bueno, el feo y el malo. Tema principal y “El éxtasis del oro” · Ennio Morricone
Cinema Paradiso.  “Tema de amor” · Ennio Morricone

Especial / Tio Vivo: Extra de navidad de 1962 por Peñarroya

Ya están aquí los Reyes Magos… Una portada de Tio  Vivo del lejano 1962, de una época sin tanta tecnología ni, evidentemente, redes sociales ni digitalización. Hoy en día, los Reyes Magos estarían un poco alucinados como los dibujó el gran José Peñarroya (1910-1975) hace 64 años. Quienes conocieron al dibujante afirman que era un tipo simpático, amable y campechano, muy parecido a su personaje estrella, Don Pío. Las historietas de Don Pío eran la crónica de un matrimonio español de finales de los años cuarenta. Peñarroya fue un gran dibujante, con mucha obra aún por recuperar.

 

Especial Navidad: Mortadelo. Almanaque para 1976 por Ibáñez

 Se puede decir más alto, pero no más claro…
“Ibáñez es TODO a lo que puedes aspirar: talento, comercialidad, calidad y perseverancia.”
Andreu Buenafuente, humorista y productor, en el libro El maestro de la historieta: Ibáñez.

Noche de Reyes con esta conocida portada de Ibáñez para el almanaque de 1976. En aquellos años, estos especiales con más páginas y los históricos personajes de Bruguera viviendo entrañables aventuras navideñas eran un auténtico gozo, ya desde sus mismas portadas.

Extra de Navidad Cairo nº 21 por Pere Joan

Cairo fue una revista que alcanzó los 75 números, en la que se publicaban principalmente historietas de línea clara y de vanguardia, tanto autoconclusivas como de continuidad. Su director fue Joan Navarro.
Este fue su segundo número navideño, con una portada del guionista y dibujante Pere Joan y su experimental personaje detective.

Pere Joan es dibujante e ilustrador y ha colaborado en multitud de revistas infantiles y juveniles, así como en diversos diarios. Dirigió junto al dibujante Max la revista Nosotros somos los muertos. En 1991 obtuvo el premio a la mejor obra en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona por Mi cabeza bajo el mar.

Crítica teatro: Germans de Sang de Daniel Anglès - Teatre Condal - Barcelona

Germans de sang, el musical inmortal, ha vuelto a Barcelona. Desde el año 1994 no se podía disfrutar de este espectáculo. Daniel Anglès, actor y cantante, dirige esta obra que él mismo interpretó en el pasado.

Germans de sang narra la vida de dos hermanos separados al poco de  nacer, ya que su madre biológica padece penurias económicas. Uno de ellos crecerá en una familia acomodada, con la condición de que nunca podrán saber que son hermanos. Dos vidas muy opuestas que acabarán encontrándose…

El espectáculo se desarrolla en un escenario desnudo, en el que solo vemos unos grandes contenedores de puerto apilados que albergan en su interior a los músicos. Nuestra imaginación debe rellenar esa falta de decorado, y lo hace gracias a la fuerza interpretativa de los actores, que están geniales. Las dos madres, interpretadas por Mariona Castillo y Lucía Torres, y los dos hijos, Mickey y Eddie, encarnados por Albert Salazar y Roc Bernadí, junto Tai Fati, la novia de uno de ellos, nos conquistan. Solo por la poderosa pieza y tema principal, “No pot ser veritat”, cantada por Mariona Castillo, ya vale la pena asistir al teatro.

Las canciones son muy bonitas y, sobre todo, las letras nos llegan claras y entendibles, aunque casi todos los temas no nos resulten tan conocidos. Salazar, Bernadí y Fati nos ofrecen buenos momentos de humor cuando interpretan a los personajes en su infancia, algo difícil de lograr sin caer en la parodia ridícula, y más tarde su transición a la edad adulta resulta convincente.

Otro elemento importante es la figura del narrador, interpretado con voz tranquila por Triquell o Xavi Navarro, dependiendo de la función. Aparece en determinados momentos, fusionándose con la escena como una sombra oscura, como si nos contara un cuento y nos adelantara ese pesar que flota en el aire.

El cuerpo de baile actúa en un segundo plano de forma muy efectiva visualmente, como si fuese una metáfora de los malos presagios, del destino del que no pueden escapar, del aura que envuelve a cada personaje mientras lucha con sus pensamientos e incertidumbres. Gran trabajo de la coreógrafa Ariadna Peya en estos números de pura danza.

La obra nos plantea hasta qué punto nos limita la vida según el lugar donde nacemos. ¿Cuánto hay de escrito en nuestro futuro? ¿Dos jóvenes criados en una misma familia y condición social se desarrollarán igual y tendrán los mismos valores, o también influye el carácter y la forma de ser de cada persona? Una historia cruda, pero tratada con mucha sensibilidad. Aquí no hay buenos ni malos, solo personas muy humanas, sus circunstancias y la manera en que se desenvuelven en el mundo que les ha tocado vivir.

Germans de Sang, creado por Willy Russell, es uno de los musicales más taquilleros de la historia desde su estreno en 1983 en Londres. Ahora vuelve a los escenarios en el Teatre Condal. Si te gustan los musicales y las historias clásicas dramáticas con cierto aire novelesco, no te lo puedes perder.
 
GERMANS DE SANG  - teatre Condal
Hasta el 22 de febrero de 2026
Horarios: Miércoles, Jueves y viernes: 20:00 h / Sábado: 17,00 y 20:00 h / Domingo: 17,00 h
Entradas Desde 31 €
Interpretes: Mariona Castillo, Lucía Torres, Triquell,  Joan Mas, Xavi Navarro, Albert Salazar,  Joan Mas, Roc Bernadí, Pol Roselló, Lucía Torres , Meritxell Valencia, Tai Fati, Carla Pizan, Toni Viñals,  Guillem Ripoll, Cisco Cruz, Aleix Colomer.
Elenco: Elena Escorcia, Joan Mas, Carla Pizan, Guillem Ripoll,  Julia Sanz, Ferran Soler, Meritxell Valencia, Aran Vázquez
Dirección: Daniel Anglès
Título original: Blood brothers
Adaptación: Albert Mas-Griera
Libreto: Willy Russell
Ayudante de dirección: Àgata Casanovas
Dirección musical: Andreu Gallén
Dirección técnica: Moi Cuenca
Músicos: Andreu Gallén, Toni Pagès, Eloi López, Vicent Pérez, Victor Colomer, Dai Mar López, Armando Erenas, Cristian Castellví, Blai Mañé 
Escenografía: Alessio Meloni
Iluminación: David Bofarull / Sonido: Jordi Ballbé
Caracterización: Natalia Albert / Vestuario: Marc Udina
Coreografía: Ariadna Peya
Música y letras: Willy Russell
Fotografía: David Ruano
Comunicación: Publispec, Producción ejecutiva: Carmen Álvarez